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CLOSE es un elegante, poético y empático estudio de la juventud por el aclamado guionista y director Lukas Dhont. Léo Y Rémi, de trece años, son inseparables; mejores amigos, tan Unidos como hermanos. Sin embargo, al comenzar un nuevo Curso escolar, las presiones de la adolescencia ponen a prueba sus lazos con consecuencias inesperadas y trascendentales con las increíbles interpretaciones de los debutantes Eden Dambrine y Gustav De Waele, la evocadora segunda película de Dhontes una historia profundamente conmovedora que tendrá un impacto duradero.
Close es una película de drama y coming-of-age belga dirigida por Lukas Dhont a partir de un guion escrito por Dhont y Angelo Tijssens, que vuelve a formar equipo después de su primer largometraje, Girl. La película está protagonizada por Eden Dambrine, Gustav de Waele, Emilie Dequenne y Léa Drucker.
La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2022, el 26 de mayo de 2022, donde más tarde fue galardonada con el Gran Premio del Jurado.
ENTREVISTA CON LUKAS DHONT
Después de Cannes, estuve de gira con la película durante unos 18 meses. Lo proyecta- mospor todas partes: En Toronto, Telluride, Tokio, lo que sea. La película también fue seleccionada al Oscar en lengua extranjera de Bélgica, así que pasé mucho tiempo en losEstados Unidos. Como primera experiencia fue enormemente emocionante, pero tam- biénabrumador. Debo haber pasado por todos los altibajos emocionales durante ese período. Cuando llegó el momento de pasar a otra cosa, tuve que olvidarme de la película, dejarla en el pasado como una parte de mí.
Cuando finalmente regresé a casa y me senté frente a una página en blanco, fue un shock. Yotenía que pensar en un tema del que pudiera hablar con la misma pasión y en cierto modo escoger hasta lo que había comenzado con Girl. Descubrí el cine a través de mi madre, queadoraba la película Titanic, y mis posteriores estudios cinematográficos. No me tomó muchotiempo darme cuenta de que quería hacer películas íntimas y personales.
Quería probar y explorar cosas que me resultaban inquietantes en mi infancia y adolescencia.En Girl, mi intención era discutir la identidad y la dificultad de ser uno mismo en una sociedad sostenida por normas sociales, etiquetas, casilleros. Girl también era una película física, que se centrara en una lucha externa e interna, y quería mantener explorando el tema de la identidad y el conflicto que surge de cómo eres percibido por los demás, un grupo. Sobre todo, quería hablar de un tema profundamente personal.
Siento que en cierto modo soy tanto Léo como Rémi. Hay una parte de mí en cada personaje. Primero, determinamos la edad de los actores, un momento muy preciso entre la niñez y la adolescencia: el inicio de la escuela secundaria, el inicio de las preguntas sobre la sexualidad,cambios, la relación de uno con el mundo y cómo estas cosas evolucionan.
El libro 'Secretos profundos' de la psicóloga Niobe Way, en el que estudia a 100 chicos de 13 años a los 18, fue una gran fuente de inspiración para mí. A los 13 años, los chicos hablan de susamigos como si fueran las personas que más aman en el mundo, a quienes pueden derramarsus corazones y abrirte. La autora describe cómo todos los años se reunía con cada niño yobservó cómo, a medida que pasaban los años, los niños se esforzaban cada vez más porsacar a relucir la noción de intimidad con sus amigos varones. Este libro me ayudó acomprender que no era el único joven gay que creció luchando con el aspecto íntimo de la amistad.
Con respecto al personaje principal, Léo, quería que tuviera miedo de cómo los demáspodrían percibir su amistad como algo sexual. Su amigo Rémi está lidiando con los mismos prejuicios, pero no le importa y no hace nada para cambiar su comportamiento. Léo esenormemente importante para él; lo ama profundamente y no entiende su cambio de actitud. Hay algo de mí en ambos personajes, aunque la forma en que tiendo a ver las cosas es más pronunciado en Leo. Rémi, por otro lado, representa a aquellas personas que intentaron mantenerse fieles para ellos mismos.
Sí, creo que sí. Me di cuenta durante mis estudios de cine. Mientras todos los otros estudiantesestaban haciendo prácticas en producciones cinematográficas, hice prácticas con coreógrafos. Sisoy honesto, yo no quería ser director, mi ambición era ser bailarín. Pero renuncié a ese sueño cuando tenía 13 años porque me daba vergüenza. Cuando bailaba me sentía juzgado y no tenía la fuerza para que no me importe un carajo lo que piensen los demás. Sin embargo, cuando estaba bailando llegué a expresarme, ser verdaderamente yo mismo. Toda esa experiencia me dejó casiuna herida física, pero a pesar de todo eso siempre me he mantenido cerca de coreógrafos ybailarines. Escribir dió mi otra forma de canalizar este deseo. Me di cuenta de que me resulta más difícil expresarme a través de palabras que movimiento y danza. Estoy tan interesado en losmovimientos de mis personajes como el mio Esta es solo mi segunda película, así que me estoycuestionando más y creo que mis películas incorporan el movimiento como mi mediodecomunicación.
Cuando escribo, las palabras a menudo
traducirse en intenciones corpóreas. En Close, quería que los chicos estuvieran lo máscerca posible en la cama. Estas son imágenes que rara vez llegamos a ver. Esta cercanía entre dos chicos es casi ajeno a nosotros. También hay una escena de lucha, una lucha cuerpo a cuerpo que es prácticamente icónica en lenguaje extraño. El sentido de responsabilidadcentral en la película también es algo extremadamente físico, como una carga interna. Me atrajo el hockey sobre hielo por lo que representa en términos de mascu- linidad y brutalidad. Enla segunda mitad de la película, vemos que le da una razón a Léo usar un casco, una jaula dealambre que cubre su rostro. Este disfraz era interesante porque encierra, enmascara y pesasobre el movimiento de una persona. En mis películas, me encanta comunicar a través deimágenes, movimientos e
incluso a través del sonido.
Vengo de un pequeño pueblo en medio del campo, a veinte minutos de Gante. Eso es el mundo en el que crecí, corriendo por los campos. La granja de flores se basa en la de mi pueblo. Sentí que era importante que los campos de flores transmitieran una fragilidad que contrasta con el mundo del hockey sobre hielo. La familia de Léo trabaja en este coloridoambiente que proyecta una particular noción de infancia, y es un paisaje que cambia conlas estaciones. Cuando el otoño llega, se cortan las flores, lo cual es un acto bastanteviolento, y los colores desaparecen. El cambio de estación crea también una clara ruptura entre los colores de la infancia y los terrosos tonos marrones y negros. Tenía mucho interés en enfatizar estos contrastes para transmitir el duelo de un niño. Después del invierno, las flores se replantan y los colores regresan, presagiando esperanza y la promesa de vida continua. Escribimos la escena final muy pronto porque desde el principio queríamos utilizar el color como recurso estético. En cuanto a la creación de las familias, todo surgió de una sola imagenque tenía en mi mente al principio del proceso: una madre y su hijo en un automóvil, el niño incapaz de expresar lo que siente. La escena aún estaba bastante confusa en mi mente, pero sabía que tenía que haber cierto grado de tensión. Recuerdo cuando era joven viendo una película de horror The Good Son, protagonizada por Macaulay Culkin como un niño contendencias psicópatas. Esta película me inspiró y me dio la idea para el personaje de Sophie, la madre de Rémi, y también la madre de Léo, partiendo de la premisa de que una de ellas conoce su amistad desde que en su casa donde los dos chicos pasan el rato, mientras que hay más distancia con el otro. El personaje del hermano mayor es realmente significativo para mí, particularmente en la segunda parte de la película.
Está esa escena de la cena que es fundamental, y pensamos que sería interesante para uno de los padres a perder el control emocional. Vi a Léa Drucker en Jusqu'à la garde. Ella es una auténtica actriz que encuentro increíblemente conmovedora. La conocí en 2019 en los Premios César. Ella parecía tan amable, tan dulce, y luego subió al escenario y entregó ese poderoso¡discurso de aceptación! Sabía que realmente quería trabajar con ella.
Cuando elegimos a Eden para interpretar a Léo, inmediatamente noté el parecido y la elegancianatural que ambos tienen en común. Ese era el momento ideal para que formáramos equipo.
Encuentro a Émilie Dequenne tremendamente conmovedora en cada actuación queofrece, ella irradia gran humanidad y se sumerge por completo en los papeles que interpreta.
Durante los tres años que me tomó escribir el guión, conocí a muchas madres que habían perdido un hijo. Uno de ellos -con el que salía a pasear a menudo y que me confió una gran trato-escribió una carta extraordinariamente abierta sobre cómo se sentía después de la muerte desu hijo. Esta carta describía cómo se sentía aprisionada por su sentido de responsabilidad y su fracaso. Esto fue muy similar a la historia de Léo; hay un claro paralelo. En las películas,estamos acostumbrados a ver mujeres llorar y gritar de dolor, pero aquí todo estaba interiorizado. Sentí una conexión con esa madre, y esta era la clave para desbloquear elpersonaje interpretado por Émilie, experta en expresar emociones fuertes.
Sin embargo, a lo largo de la sesión, le pedí que no mostrara nada, que guardara todo. Estoy muy orgulloso de esa actuación porque tengo la impresión de que ella transmite mucho debajo de la superficie pero sin descender nunca al patetismo. Ella me enseñómucho sobre la dirección de actores, entendió el más mínimo matiz, ¡es increíble! Y debido a queella comenzó muy joven en la película Rosetta, ella sabe lo que se siente ser una jovenadolescente en un set de filmación, por lo que fue brillante guiando a nuestros jóvenesactores. Ella me ayudó muchísimo con la dirección de Eden en las escenas que compartieron, y estoy realmente agradecido con ella por eso.
Llámalo destino o suerte, pero poco después de escribir la primera escena de la película conocí a Eden(que interpreta a Léo) en un tren que va de Amberes a Gante. Estaba charlando con sus compañeros, y me di cuenta de que tenía algo increíble, una cualidad agudamente expresiva.
Hablé con él y lo invité a la audición. Me reconoció porque fue a la misma escuela de baile que VictorPolster (quien interpretó el papel principal en Girl). Conocimos a muchos niños durante el proceso de casting. Seleccionamos 40 y los hicimos audicionar en parejas. Había algunas combinacionesasombrosas, pero cuando vimos a Eden y Gustave (que interpreta a Rémi) jugar uno frente al otro,supimos que tenía una conexión especial. Se las arreglaron para sumergirse en la emoción de lasescenas, pero luego rápidamente salió de eso. Eran como niños y, sin embargo, abordaron sus roles con madurez. Eso fue una pareja fantástica.
No, eso vino después. Sin embargo, mi intención era hacer una película que rindiera homenaje a los amigos con quienes había perdido el contacto, por mi propia culpa porque mantuve mi distancia ysentí como si los hubiera traicionado. Fue un momento confuso, y pensé que era lo mejor que podía hacer. Además, quería hablar sobre la pérdida de un ser querido y la importancia del tiempo que pasamos con los que amamos. La historia se basa esencialmente en la ruptura de una relación íntima y la consiguiente sensación de responsabilidad y culpa. En algunos aspectos, es el comienzodel viaje hacia la adolescencia. Tenía muchas ganas de hablar de esa pesada carga quellevamos cuando nos sentimos responsables de algo pero no pueden hablar de ello.
Léo, el protagonista principal, está lidiando con este sentimiento provocado por la pérdida de una amistad muy cercana que define su identidad; Quería mostrar en pantalla qué es lo que le rompe el corazón.
Mi decisión de llamar a la primera película Girl fue una declaración que sentí que tenía que hacer. En cuanto a Close, era una palabra que aparecía con frecuencia en el libro 'Secretos profundos': amistad cercana'. Se trata de una palabra ineludible a la hora de describir la íntima relación entre estos dos chicos. Es esta intimidad escrutada que es el catalizador de los trágicoseventos de la película. Cuando perdemos a alguien, tratamos de buscar la intimidad con lapersona que se ha ido. Nos vemos arrojados a una especie de discurso filosófico dificil. Lapalabra evoca con la misma facilidad la noción de estar confinado, de usar una máscara, la incapacidad de ser uno mismo. La primera propuesta para el título de la película, We Two BoysTogether Clinging, es el título de David Cuadro de Hockney inspi- rado en un poema de Walt Whitman y que representa a la hermandad entre dos hombres. 'Aferrarse' es una palabra particularmente expresiva para el deseo
de aferrarse con fuerza a alguien.
CRÉDITOS
DIRECTOR
Lukas Dhont
GUIÓN
Lukas Dhont Angelo Tijssens
PRODUCTORES
Michiel Dhont Dirk Impens
CO-PRODUCTORES
Michel Saint-Jean Laurette Schillings Arnold Heslenfeld Frans van Gestel
Jacques-Henri Bronckart
DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA
Frank van den Eeden, SBC-NSC
EDICIÓN
Alain Dessauvage
MÚSICA
Valentin Hadjadj
1er ASISTENTE DE DIRECTOR
Siel Van Daele
DIRECTOR DE ARTE
Eve Martin
DISEÑADOR DE VESTIARIO
Manu Verschueren
SONIDO
Yanna Soentjens
POST-PRODUCCIÓN IMAGEN Y SONIDOLaure